Покритикуйте работу

Нет, я не руководитель кружка или студии.
Преподавал в художественном училище, практикую композицию, рисунок и живопись примерно 35 лет.
На данный момент свободный художник.

Спасибо за ответ, Георг.
Мне кажется вы руководитель кружка или студии.

По-моему, большое заблуждение всё валить в одну кучу - жанры, стили, направления, (академизм, классический реализм, абстракционизм, поп-арт, оп-арт и т.д.) и пытаться дать общее определение что и как надо подавать зрителю. Например, импрессионизм - это тот же реализм, но задачи и способы выражения совершенно другие нежели в классическом реализме.
Потому если говорится, что "...Реализм деталей прежде всего...", то хочется узнать: "А выразительность, состояние, эмоциональность не важны?".
Просто, с моей точки зрения можно погрузить всё в детали, частности и упустить главное. Детали сожрут идею, саму суть произведения.
Это как муравьи, которые могут убить слона. Известная притча.
Ведь Дьявол и кроется в деталях, которые пожирают важное, ибо мелкие детали лишь составляют главное, общее и подчинены ему как слуги.
Конечно, возможно и очень детализировать главное, композиционный центр, если в этом креативная цель или стиль. Но если детализировать всё, то дробности и отсутствия целостности не избежать.
****************
"...Писать с натуры, или с фото легче легкого: вглядывайся и повторяй, и все получается, и пишется все быстро и легко..." - это возможно только для вас индивидуально, а по-моему ошибочно. Если точно повторять видимое, не перекладывая на живописный, художественный язык, не делая отбор, не внося творческое своё, то получим простой пересказ, как в фоторепортаже, а это уже не искусство.
"...Такие полотна, в основном небольшие, я раздаю всем направо и налево. Не складывать же их в сарае. Людям нравятся, и это главное..."
Можно творить уродов и раздавать, но это не показатель что это нравится людям. Они возможно из тактичности, и не желания обидеть, принимают подарок, а потом отправляют в свой сарай или на мусорную свалку. Возможно не все картины постигает такая участь, согласен, но это зависит от подготовленности зрителя (одариваемого) и от степени вложенной души и умения в картину дарящего-художника.
****************** "...холсты какого размера по вашему являются наиболее оптимальными для приобретения?"
Ни какого значение величина помещений не играет роли на приобретение того или иного произведения, если это не эксклюзивный заказ.
Всё дело в том, что вы работаете или для ограниченной аудитории, зрителей или более обширной.
Например, можно работать на определённую возрастную категорию людей (молодёжь, средний возраст, старший);
можно творить для простого обывателя со средним достатком;
можно создавать произведения для коллекционирования (для коллекционеров, музеев изобразительного искусства), людей с большим достатком, для организаций.
Из выше изложенного следует, что в соответствии с тем для какой категории людей и их возможностей вы создаёте произведения, будут соответствовать и размеры и цена произведения. Если хотите охватить больше количество, все категории, потенциальных приобретателей, то размеры, и соответственно цены, должны быть различные.
О творческом и ремесленном качестве, жанрах, стилях тут мы не говорим.

И действительно.
)))

по теории Генри Форда рентабельно производить товар
мелкий, но много. Не такой уж качественный, но по цене
доступный для среднего обывателя. Правда эта схема не
относиться к произведению искусства. Художник может
продать одну большую картину и прожить на нее год.
Все зависит от вдохновения и желания. Пришла пора?
- пишите, невзирая на размер, а купят, не купят, то
зависит от Бога

Лично для меня реализм важен. Реализм деталей прежде всего.То, из чего можно конструировать полотно с какой -то выраженной идеей. Главная проблема - неточность, поверхностность. Тут нужен большей опыт, который надо нарабатывать и нарабатывать, а времени нет или его мало.
Писать с натуры, или с фото легче легкого: вглядывайся и повторяй, и все получается, и пишется все быстро и легко. Такие полотна, в основном небольшие, я раздаю всем направо и налево. Не складывать же их в сарае. Людям нравятся, и это главное.
Кстати, актуальный вопрос, который я хотел бы адресовать вам и Вниманию: холсты какого размера по вашему являются наиболее оптимальными для приобретения? Большие, средние, маленькие? Учитывая, что большинство жилищ скромных размеров, наверное последние? Но почему я тяготею к метровым диапазонам, к 70Х80? Могут ли они иметь место в современных коллекциях?
А возвращаясь к стоковому центру, хотел бы предложить местом С-Петербург. Чем не столица арт искусства?

В том то все и дело, Bob@c. Горько это сейчас осознавать художнику.
Высокая струнка ремесла (а живопись всегда таковым считалась), претерпевает невзгоды. Но многие все равно творят, как вы, и многим зрителям реализм больше по душе.
А вот богема... Хотя я не думаю о какой либо богемности в современном российском искусствоведческом мире. Она частично или сильно утрачена . Очень многие разъехались; те , что остались смотрят на Запад и однозначно поддакивают тамошним оракулам. А те славят своих.
У нас сейчас как-то мало чего возникает и пестуется. Возможно это из-за общей обстановки, не до этого лишь бы выжить, а профессионалы выживают, делая что-то под заказ, что означает "навстречу расхожим вкусам". А что делать таким как вы? Другой бы и рад приобрести ваши портреты, но надо сводить концы с концами, не ослаблять семейный бюджет.
Сюда можно примкнуть и огромную армию любителей, жаждущих признания. Признать их то мы признаем, а что толку? Низкая общая востребованность не повышает их самооценку.
Что вообще движет ими? Хотя. это глупый вопрос, то же что и всегда и во всем: жажда творчества, самовыражения. Вот бы организовать где нибудь в России такой стоковый центр любительских работ, почти по бросовым ценам. И люди будут приобретать, и любителю бальзам на сердце.

Привел все эти соображения, чтобы прояснить мой ответ на пост Внимания.
Поскольку взгляды эти достаточно "выстраданы", то и для их изменения недостаточно узнать, что "добротность деталей безвозвратно ушла в прошлое". У каждого - свои приоритеты.
Не хочу вас огорчать, но "столпы" современного искусства не оказывают на меня того влияния, что на весь мир, у меня своя шкала ценностей. И в моем понимании художник, не умеющий более-менее правдоподобно нарисовать курицу или портрет человека, - и не художник вовсе. Как я понимаю, представители современного искусства слабы в этом отношении чуть ли не поголовно.
Но еще раз - это лишь мое отношение, никому его не навязываю.

Bob@c, а может вам попробовать поработать критиком, у вас есть потенциал.
Вы даете логическое определению хорошему художнику, как, прежде всего, замечательному ремесленнику, позже выводите из этого второй логический постулат, что дескать, на основе добротного ремесла можно давать волю фантазии, мысли и чувствам и вот оно перед нами настоящее произведение искусства. Допустим. Но добротность деталей безвозвратно ушло в прошлое, достаточно посмотреть на известных современных художников по всему миру (кстати, весьма высокооплачиваемых), не говоря уже о массе малоизвестных или неизвестных. Достаточно зайти в Сеть, набрать «15 самых известных художников мира». Из них четверо творили в далеком прошлом (Да Винчи, Микеланджело, Рембранд, Вермеер).
Еще двое импрессионисты: Ренуар и Моне. Они, кстати, со товарищи первые в истории стали лениться прописывать детали и отошли от академизма. Но мысли и чувства в своих картинах пока еще сохраняли.
А вот последователи, прошловековые ребята своими известными картинами добротность прописи, техники никак не демонстрировали (Мунк, Полок, Климт, Кало, да и Ван Гог). И теперь у них миллионы последователей. С помощью нагромождения линий и красок все демонстрируют лишь какие-то мысли и чувства.
Разве что под ваше определение подпадают Дали, Уорхол и Маргит. У них детали выписаны и скомпонованы в некие сюжетные аллюзии. Последний, кстати, добротно изобразил просто курительную трубку на полотне. Какая мысль? Ну, наверное, курить вредно. Или не губите лес.
Уорхол явил миру томатные консервы. Хорошая техника, выписка, мысль… Наверное, томаты полезны.
Я это к тому говорю, что добротность уходит, ушла. Мир нуждается лишь в изображении скрытых смыслов, неважно как и чем, Помните как в известном фильме «Спросите Синди» авангардист перед зрительным залом творил на большом полотне с помощью собственных фекалий.
Сами мысли и чувства стали дробнее мельче, эгоистичней, фактически стали рекламой, а реклама они почти и есть современное искусство.

Вниманий, спасибо за хорошие слова!
Объясню мою позицию.
Художник - человек, постигший (в идеале - полностью) технологию изображения окружающего мира (или придуманного) на поверхности холста (тротуара, стены, пр.).
В связи с этим чем ближе к реальности он способен писать, тем он мастер более высокого класса. Это, так сказать, ремесленная составляющая. К слову, в этом плане такие художники как Шилов, Сафронов, тот же Юшкевич и подобные им - мастера высокого уровня!
В качестве косвенного подтверждения такой позиции приведу то соображение, что ох, как много труда придется потратить начинающему художнику, чтобы достичь их уровня. Ведь не сможет он уже на втором занятии писать так же, как сейчас пишут они.
Вторая составляющая художника - творческое начало, т.е. способность на основе уже имеющегося мастерства создавать произведения искусства - волнующие зрителя работы, - привнося в традиционную технику что-то новое, выстраданное, необычное, какой-то особенный инструментарий. Это может касаться всего, начиная от композиции и заканчивая, например, форматом (Муха), положением линии горизонта (Нисский), новыми "многозвучиями" цветов (передвижники), необычными сюжетами (Целков), оригинальным рисунком (Пикассо) и т.д. и т.п.
Вероятно, ранее упомянутые одиозные Сафронов и иже с ним, мало продвинулись по второй части, хотя я отдаю им должное. Шилов, например, очень хорошо справляется с портретами. Этот жанр особо консервативен, плохо подвержен новшествам в силу известных причин.
Но тот факт, что при всем при этом упомянутые принадлежат к разряду высокооплачиваемых художников, наверняка больше всего злит "среднестатистического" художника, он подсознательно выискивает причину своего неприятия их творчества.
(((
Про себя я понимаю, что так же тщательно выписывать детали и приводить тонально-цветовую раскладку к оптимуму, как это делает тот же Юшкевич, я не смогу по причине нехватки терпения (читай - любви). Но жизнь продолжается.
)))

Владимир, Вы пишите, к сожалению гораздо интересней))
... не знаю, что и сказать по поводу Юшкевича, но первое,
что вспомнилось, то эпизод из фильма о Сурикове, когда
он еще молодой подошел посмотреть, как на пленэре
художник (по-моему Репин) пишет этюд и тот ему говорит-
а Вам приятно, когда Вам дышат в спину?
... камера не дышит, но ощущение чужого взгляда сзади,
думаю оставляет... хотя, возможно кто-то способен так
абсорбироваться, что ничего не чувствует вокруг себя,
но всё подобное мне напоминает больше шоу владения
ремеслом, нежели творчество. ИМХО

Спасибо за ответы, Bob@c.
Правильно вы заметили насчет соответствия мастерства и коммерческой привлекательности. Играет множество факторов, я их определяю так: судьба. Суждено судьбою быть привлекательным еще при жизни, как Н. Сафонову, - будешь им, не суждено - будешь оценен потом, посмертно, как Ван Гог.

Виктор Юшкевич, в моем понимании, - Федор Васильев наших дней. Реинкарнация через 100 лет. Не вызывает сомнения по части соответствия званию художника. Вряд ли смогу когда-нибудь писать так же, к сожалению.
Его живопись акрилом подтверждает, что нет плохих материалов, есть недостаточно умелые пользователи...
)))
А коммерческую привлекательность определяют не уровень цен и даже не мастерство, хотя второе - один из определяющих факторов, а какие-то другие факторы или их суммарное взаимодействие. Отчасти можно говорить об общей "наработке" по этой части - когда количество перерастает в качество. Впрочем, художник должен больше думать не о доходах...
По поводу выставок могу сказать, что их значение несколько подутратилось по нескольким причинам. Не стану их перечислять. Но, как мне кажется, когда уровень мастерства превысит среднестатистический (а какой он?), то выставки, особенно персональные будут более подспорьем, чем выброшенными деньгами.
Магазин на пятачке у Крымского моста был снесен в период обустройства Крымской набережной. Возможно, его неплохой заменой можно рассматривать художественный магазин-салон Красный Карандаш в правом крыле ЦДХ.

Спасибо за ответ, Bob@c.
У меня к вам еще несколько вопросов.
В Ю-тюбе представлены ролики-вебинары художника В. Юшкевича, художника-композитора, как его еще называют. Он пишет фантастически красивые пейзажи акрилом. Если смотрели, ваше мнение?
Я пробовал писать акрилом, мне не понравилось, краски какие-то неестественные. Есть правда исключение в виде одной картины, написанной строительными красками, оставшимися от ремонта. Я выставил ее и еще парочку на одном из сайтов всего за 200 руб., что гораздо ниже себестоимости, но все равно ни одна живая душа не изъявила горячего желания приобрести «столь бесценное произведение искусства».
Позже ради эксперимента увеличил цену в 50 раз - эффект тот же. Потом опять вернулся к двумстам (правда, уже евро), но картины как висели, так и висят. Ну, пусть себе пока висят, думаю я, вряд ли их кто-нибудь купит (но в голове крутится все же вопрос: почему их просматривают со всего мира, судя по адресам?).
О выставках. Раньше персональная выставка какого либо художника была эпохальным событием в его жизни, но сейчас ее значение сильно утратилось. Может быть это связано с развитием средств массовой коммуникации, не знаю, а вы как считаете, почему снизилось значение выставки?
И последнее. Раньше на площади перед ЦДХ, как спустишься с Крымского моста, стоял магазин для художников. Его сейчас снесли вместе со стихийными инсталляциями художников или он по-прежнему стоит?

Я пишу Мастер-классом.
Это не особо важно. По большому счету качество красок сказывается лишь на долговечности готовой работы. Слышал, конечно, что дешевыми красками китайского, например, производства получается хуже смесь цветов, но, думаю, что ко всему можно приспособиться.
Вывод: для вспомогательных работ (этюдов, набросков) можно использовать любые краски - от акварели до акрила, от дешевых до самых дорогущих. К сожалению, не ими определяется мастерство художника. Художник должен худо-бедно знать все живописные материалы.
Гризайль не будет "скатываться" в цвет, если во время работы у вас на палитре будет только два цвета - белый и черный (или вместо черного - одна из следующих: умбра, умбра жженая, марс коричневый, сиена, сиена жженая, ...)

Спасибо за разъяснение, Вниманий.
Посмотрел изучил тему "Гризайль". Интересно, можно будет как-нибудь попробовать, единственное "но" монохромность произведения. Это дело надо любить и подбирать тематику именно под нее.
И еще, оказывается, гризайль. художники используют в качестве первоосновы или подмалевка, особенно охристыми тонами. На эту тему есть много роликов на Ю-Тюбе.
Каждый раз пытаюсь себя заставить это делать в начале и не получается. Хочу, а рука упорно скатывается к цветной первооснове. Может быть это моя особенность. А может быть потому, что цветность помогает выстраивать полотно правильно в самом начале. Для меня это самый трудный момент, момент начала работы. как же я мучаюсь! Подхожу к мольберту с явной решимостью начать или продолжить и ... ухожу. как будто заставляю себя поднимать тяжеленную бетонную плиту. И только постепенно шаг за шагом в зависимости от настроения, работа начинает двигаться. Потом гораздо легче, а уж если в целом каркас картины проявился. то работа идет легко и чем дальше тем быстрее и быстрее.
Может быть это от того, что мало пишу с натуры, вернее использую элементы натуры, и у меня нет перед собой цельного зрительного или фото изображения, я реконструирую его из фактических натурных деталей. Иногда получается, иногда нет. Вот бы мне помощников эдаких кондовых реалистов, которые могут выписать все что угодно на полотне так, что захочется содрать с полотна любой цветок или фрукт и съесть его. Но, это почти невозможно.
Пейзаж "После декабрьской вьюги" исключение из этого ряда.

тоновая живопись...
вбейте в гугл "гризайль"- там все расскажут и покажут.
От себя добавлю- гризайлью писать легче коричневыми
цветами (сепия). У серого цвета тоже широкий диапазон
растяжки тона, но по мне так сложнее... хотя на вкус и
цвет... вот один мой знакомый художник чувствует серый
цвет просто потрясающе, взгляните-
ссылка
Лудимус, для Вашего поиска в данной работе хорошо
было бы иметь опыт работы именно в серых тонах.
... заодно выскажу свое мнение о красках-
если решили серьезно заняться живописью, не скупитесь,
берите "Мастер класс". "ЗК" (Завод Красок) лучшие в мире... масляные. ИМХО

Bob@c, а вы какими масляными красками пишете? Какой марки?

Спасибо за ответ, Вниманий.
Не расскажите, что такое гризайль?

возможно стоило бы автору (Лудимусу) поработать
гризайлью, а в частности над растяжкой серого цвета?
... чувство тона, считаю пригодилось бы для данного примера.

Вы на правильном пути!

Вы знаете, Bob@c, посмотрел еще раз на полотно с учетом ваших замечаний, и понял вы совершенно правы. Правы в тональностях, в светах и тенях. Допустим цветовая гамма скудна, но правила тонов никто не отменял, и у меня картина смотрится плоской.
И насчет ритма: если убрать правое дерево, то пейзаж только выиграет. И ритма будет больше.
Я понял вашу мысль: не все то что есть надо автоматически переводить в изображение, на то он и художник, чтобы осмысливать видимое. Ох, уж это мое стремление сделать все как можно точнее и ближе к оригиналу. Оказывается, это не всегда нужно или нужно, но не в такой мере.
И еще один вывод к которому я пришел после критического осмысления картины. Не надо спешить! Не спеши переводить увиденное сразу на холст. Да ему устояться, отстояться. Пиши набросики и этюды, и вот тогда ... Посмотрим что будет тогда

Под мерным ритмом я имел в виду монотонный ритм. Если целью собственно рисунка является, например, забор, то подобный ритм допустим, но тогда он отчасти превращается в чертеж. Если ствол справа убрать (никакой смысловой нагрузки не несет), то композиция от этого не пострадает, но ритм будет более разнообразным.
По аналогии с музыкой ритм, с одной стороны, должен присутствовать (марш), с другой стороны он должен "дышать". Поэтому электронной драм-машине всегда предпочтут живого ударника, т.к. его "несовершенство" позволяет композиции не быть механистично-нейлоновой, "дышать".
Живописный формат предусматривает Высоту х Длину. В вашем случае - 60х80 см.
По поводу повторений.
Теория утверждает, что в идеале в живописной работе не должно быть повторений ни в тоне, ни в цвете. У вас этих повторений - пруд пруди. Один и тот же цвет в зависимости от удаленности от зрителя меняется в тоне, цвете, насыщенности.
К слову, эти три категории являются характеристиками цвета, но об этом в другой раз.
Так вот, с удалением от зрителя каждая из этих характеристик уменьшается. Пожалуй, исключение, - белый цвет. С удалением тон его (свето-тень) немного уплотняется (темнеет). Для всех других цветов тон с удалением становится светлее. В карандаше эта характеристика (тональность) - одно из двух главных изобразительных средств. Второе - линия.
Поэтому снег у ног зрителя должен быть самым светлым, чем дальше - тем темнее (очень незначительное утемнение, но заметное), другие цвета (озимые) - светлеть, при этом терять яркость и насыщенность цвета.
С небом - то же, над головой - самое плотное, ближе к горизонту - светлеть.
Оптическая перспектива (сравнить с геометрической) предусматривает, что на удалении от зрителя на цвет (тон, насыщенность) влияет воздух, находящийся между зрителем и объектом. Он и приводит к изменениям, описанным выше.
Знание предусматривает "понимание" того, что глаз видит. Если у неба, земли и снега - одинаковая тональность, то это косвенно свидетельствует, что все эти категории - из одного и того же материала.
На картине не указаны градации тональностей - светА, тени (собственные, падающие), полутени, блики, рефлексы. Последние предусматривают изменение локального цвета, тона.
Естественно, это - лишь частное мнение, не претендует на абсолютную истину.
Ни в коем случае не должно сказываться на вашей заинтересованности в овладении предметом.
Успехов!

Спасибо за обстоятельный ответ, Bob@c.
Вопросы, конечно, к вам есть, и я бы хотел, чтобы вы говорили.
Вы сказали «много повторений, мерный ритм» - это хорошо или плохо? Много повторений на слух, вроде, звучит как «плохо», а мерный ритм наоборот как что-то положительное или я неправ?
Я случайно увидел лесополосу, занесенную снегом, остановился и стал рисовать. Дома я думал в какой технике писать? Может рисунок, так как все более-менее было не цветным. И формат хотел сделать вытянутый, чтобы длина холста была в два раза больше его высоты. Тогда бы, как я считал, мерный и повторяющийся ритм деревьев был бы подчеркнут, и потому был бы более выразительным, как мне казалось.
«Тонально много повторений» - прошу пояснить.
«Отсутствует оптическая перспектива – тоже самое.
«Цветово много повторений (небо, земля, деревья одинакового цвета) тоже прошу пояснить, не понял. Ведь я писал по сути как на пленере, что видел, то и «пел». В натуре все было повторяющимся. Земля повторяется с небом? Но в натуре так и было. Слегка окрашенное голубовато-серое небо, а внизу под деревьями лежит бело-серый снег, из под которого торчат старые стебли травы, которые тоже уводят в серятину. Бело-серо-черные стволы деревьев, как основы композиции.
Заранее благодарю за ответ.

Работа чем-то "цепляет", впрочем, как и представленная ранее "южная ночь".
Думаю, название этому способствует.
Пока название не известно, кажется, что это - лишь набросок будущей картины, подмалевок.
Но "Вьюга" все ставит на свои места, собственная фантазия зрителя дописывает нужное, вспоминаются ранние мокрые снегопады на еще не увядшую траву, листву между деревьев, провода линий электропередач и т.п. (правда, бывают они, как правило, в конце октября, начале ноября...)
Возникает полное правдоподобие (говорю лишь о себе). И это - хорошо. Думаю, как декоративная работа картина состоялась.
С точки зрения реалистичной живописи ситуация не так однозначна.
Здесь ограничусь кратким перечислением, если будут вопросы, смогу развернуть мысль.
Композиционно - много повторений, мерный ритм.
Тонально - много повторений, отсутствует оптическая перспектива.
Цветово - много повторений (небо, земля, деревья - одинакового цвета).

Максимально, больше не пропускает фильтр

Лудимис, Вы уж пощадите нас- что можно сказать
по изображению размером с почтовую марку?
Сделайте, пожалуйста качественную репродукцию.

Представляю на суд общественности очередной свой «шедевр». Называется он «После декабрьской вьюги». Холст 80Х60 см, масло.
Стволы деревьев залеплены снегом, далее зеленое поле озимых, вдали следующая лесополоса _ это реальный пейзаж, остальное фантазии.
Мне кажется подойдет для интерьера, выдержанного в темных тонах.